C'est lorsque quatre des plus grands disc jokey du monde s'associent que l'on peut espérer rencontrer le meilleur des albums de turntable (électro faite à partir des platines vinyles -spéciales- et de vinyles mixés/scratchés en temps réel). Aboutissement du collectif français Skratch Action Hiro (clin d'oeil au film Last Action Heroes bien sûr) qui avait remporté deux fois les championnats du monde de turntable (si si ça existe), Birdy Nam Nam associe donc quatre de ses membres (DJ Pone, Need, Crazy B et Lil' Mike) pour une première galette en cette belle année de 2005. L'album était une idée commune pour ces quatres DJ depuis 2002 et il fût enregistré en 2003. La plupart des chansons ont été crée comme des sortes de jams où chacun rajoutait son petit quelque chose afin d'aboutir à la piste figurant sur ce disque.Après un mixage en février 2004, la formation tourne et se rend compte que la plupart de ses titres ne prend pas en live, elle décide donc de créer des titres spécialement pour les lives (en plus de quelques uns de cet album) afin de compléter ses set-lists qui deviennent plus électro-dance que véritablement électro-posé comme l'est Birdy Nam Nam sur ce premier et magique opus.
Birdy Nam Nam tient son nom étrange d'un autre film (The Party avec Peter Sellers où il interprète un indien invité par erreur dans une soirée, dans laquelle il voit un oiseau et en voulant le nourrir, lui dit à plusieurs reprises « birdie num num » [wiki]) et c'est d'ailleurs sur cet extrait que commence l'album. Le ton est donné avec Ready For War, Ready For Whut?. L'album repose sur un nombre incalculable de samples de vieux vinyles jazzy ("Transition" ou Kind Of Laid Back) ou de world music (les percussions du titre bonus From Here To There ou L'interlude de qualité) et de beats et loops (comprendre rythmes et boucles de rythmes, exemple le début de New Birth).Le gros point fort de cet album réside dans sa variété, tantôt jazzy (Kind Of Laid Back), plus posé voir loundge (Migration), il propose plusieurs ambiances complétement maitrisée par le quatuor dans cette galette studio (l'excellent Rainstorming ou L'interlude de qualité qui fait beaucoup pensé à de la musique de film par son ambiance oppressante). Rassurez les fans d'électro "pure", l'on trouve aussi des morceaux qui sonnent plus traditionnel comme Too Much Skunk Tonight ou Escape plus approprié aux lives également ou le titre qui a fait connaître cet album, l'accordéon de Abbesses.
Si l'album ne rencontra pas le succès escompté (visant un public déjà assez réduit, la production finale ne ressembla pas vraiment à l'électro attendue de ces quatre DJ -"erreur" réparée avec le dernier disque sorti en janvier de cette année: Manual For A Successful Rioting), il démontre tout le talent de ces quatres jeunes dans des chemins trop risqués (commercialement parlant) pour être empruntés, et c'est tout à leur honneur.
Alors certes, nous ne sommes pas en présence de l'album de la décennie, mais ni plus ni moins l'un de mes préférés en matière d'électro (avec un Portishead, The Cinematic Orchestra et les Ratatat -pour que vous situiez). Vous pourrez noter que dans chaque album un dvd est offert comprenant des lives et des extraits vidéos du groupe en plus des deux pistes bonus toujours intégrées à l'album original. Ce premier album a l'avantage et la particularité de ne pas s'écouter comme un disque d'électro "banale" (pas de boucles et de saturation distordue) mais comme un OSNI (Objet Sonore Non Identifié) unique en son genre qui pourra plaire à la plupart d'entre vous. Verdict: 7,5/10
1. Ready For War, Ready For Whut? (3.05)
2. Body, Mind, Spirit.. (3.35)
3. Too Much Skunk Tonight (3.35)
4. Transition (1.06)
5. Kind Of Laid Back (3.47)
6. Jazz It At Home (5.57)
7. We Drummin' (1.15)
8. New Birth (3.03)
9. Escape (3.31)
10. L'interlude de qualité (1.23)
11. Engineer Fear (3.35)
12. Rainstorming (2.13)
13. Il y a un cauchemar dans mon placard (4.11)
14. Migration (5.08)
15. Abbesses (6.27)
16. New Steps/Breaking Barriers (Bonus) (3.02)
17. From Here To There (Bonus) (2.48)
Durée totale: 55 minutes
Line-up:DJ Pone
DJ Need
DJ Lil' Mike
DJ Crazy B
Genre: Electro (Turntablism)
Label: Uncivilized World
Date de sortie: 25 Octobre 2005
Prix: entre 10 et 20€
Lien pour écouter l'album sur Deezer
Lien pour acheter l'album sur Amazon.fr
« Il existe une maison dans la Nouvelle Orléans, que l'on appelle la maison du soleil levant ». Et c'est ainsi que démarre la plupart des versions de ce hit cultissime issu des folklores tantôt américain qu'anglais (en réalité l'origine exacte de cette chanson est encore inconnue). C'est en plein British Blues Boom que la bande des Animals, fièrement emmenée par le chanteur blues Eric Burdon, décide de reprendre ce blues traditionnel dans une version plus "moderne" et donc plus blues rock (comme l'époque le veut). Déjà modernisée par un certain Bob Dylan (qui chante sur un arrangement du moins célèbre chanteur folk-jazz Dan Van Ronk), les Animals vont repopularisé ce titre traitant d'un lieu de perdition (comprendre ici maison close) en lui donnant un second sens qui met en garde contre les dangers de la boisson et du jeu et en lui offrant une nouvelle jeunesse en "l'électrifiant".
C'est sur un arpège en La de Hilton Valentine (guitariste du groupe) que la chanson démarre suivi du premier couplet de la voix puissante de Eric Burdon. La chanson est un long crescendo jusqu'au solo d'orgue jouissif d'Alan Price puis reprend lentement avant de finir en force.
The House Of The Rising Sun
« Trois jours de paix et de musique. Des centaines d'hectares à parcourir. Promène-toi pendant trois jours sans voir un gratte-ciel ou un feu rouge. Fais voler un cerf-volant. Fais-toi bronzer. Cuisine toi-même tes repas et respire de l'air pur ». Tel était le slogan proposé par les organisateurs du festival dans les annonces parues un peu partout dans la presse américaine. Mais revenons d'abord sur la genèse et le contexte de cet événement pour en comprendre le déroulement et l'ampleur. Nous sommes donc en 1969, Armstrong (n'était pas noir) et l'équipe d'Appolo 11 ont mit à terme un rêve cher à des milliers d'enfants (marcher sur la lune), Nixon trône dans un grand et large fauteuil en cuir dans la Maison Blanche américaine, les soldats américains sont plus que jamais embourbés dans les jungles vietnamiennes, les manifestions pour leur retrait rassemblent toujours plus de monde et.. et.. Brian Jones (fondateur des Rolling Stones) est retrouvé mort noyé dans sa propre piscine le 3 juillet. Le festival de Woodstock, c'est en quelques sortes le sommet du mouvement contestataire hippie, même si il n'a pas fait retiré les troupes américaines du Viet Nam et qu'il a creusé un déficit immense pour ses organisateurs (surtout en frais de réparation pour le voisinage, certains artistes n'ont d'ailleurs pas été complétement payé pour leur show), Woodstock a marqué un tournant dans l'histoire de la musique.
Plusieurs milliers de festivaliers étaient déjà arrivés la veille et quand ils se rendirent compte que le festival attendrait bien plus que ses hautes espérances de fréquentation, les organisateurs le rendirent gratuit. Des kilomètres de bouchons commencèrent à s'accumuler sur toutes les routes menant à la propriété de Max Yasgur nommée White Lake et les camions acheminant le matériel -et les musiciens- furent bloqués sur la route. C'est Richie Havens, artiste folk et noir qui ouvrit le festival (et non Sweepwater, programmé, qui était bloqué dans les embouitellages) suivi peu après de Country Joe McDonald qui trainait sur les bords de la scène comme simple spectateur. Country Joe était déjà une figure musicale majeure des années 70 pour son opposition ferme à la présence américaine dans la guerre du Viet Nam et qui fit de Woodstock une réunion contestataire de cette présence (notamment grâce à sa chanson I-Feel-Like-I'm-Fixing-To-Die-Rag et sa célèbre introduction: « Donnez moi un F.. Donnez moi un U.. Donnez moi un C.. Donnez moi un K.. Qu'est-ce que ça donne? -La guerre »). Se succédèrent alors des artistes comme Melanie, Arlo Guhtrie, Ravi Shankar et Joan Baez -enceinte- qui clôtura ce premier jour (en interprétant et dédiant une chanson sur son mari qui fût emprisonné pour avoir refusé d'être parti au Viet Nam).
Le festival commença à prendre une tournure délirante par le comportement de ses participants et l'usage et l'abus de substance illicites en vogue dans le mouvement hippie. Le samedi 16 se succèdèrent la fine fleur de la contre-culture hippie en matière de musique à savoir: John Sebastian (folk), Santana (world fusion), Canned Heat (boogie blues), les Creedence Clearwater Revival (folk rock), Janis Joplin (blues acid rock), Sly & The Stone Family (soul psychédélique), les Who (rock) et Jefferson Airplane (rock psychédélique) dans des shows endiablés. Si le jeune Carlos Santana est appelé sur scène alors qu'il est sous mescaline (substance hallucinogène), son batteur -Michael Shrieve- se fera remarqué par son âge (20 ans, plus jeune musicien du festival) et sa prestation extraordinaire sur le morceau Soul Sacrifice. Janis Joplin sera elle, aidée à monter sur scène (ivre morte et imbidée de drogues) et marquera le coup par un Summertime Blues légendaire.
Cependant, autour de Woodstock, malgré les foules venues de toute l'Amérique pour assister au festival, la vision des américains sur la culture hippie changea (ils étaient alors considérés comme des voyous drogués qui détruisaient tout sur leur passage). Dans les villes alentours où certains allaient se ravitailler en vivres l'on ne déplaura aucune violence (le festival ne dénombre d'ailleurs aucun mort et une naissance), les hippies suivirent les règles instaurées par les magasins locaux (queues, prix excessifs) sans débordement. Ils répondaient même avec humour aux remarques désobligeantes quant à leur tenue ou leur façon de vivre dans le festival. Le shérif local ne rapporta aucun excès durant les 4 jours et constata: « Nous avons eu moins d’ennuis avec ces 450 000 jeunes qu’avec les vacanciers ordinaires ». Un bref discours de Max Yasgur à la foule traduit ainsi l'évolution dans les moeurs de la culture hippie: « Vous avez prouvé quelque chose au monde entier, qu’un demi million de jeunes peuvent se rassembler et s’offrir trois jours de musique et de bons temps et que rien d’autre ne leur arrive que du bon temps et de la musique. Dieu vous bénisse ».
Le dimanche 17, l'on vit lancer la carrière d'un certain Joe Cocker (si c'est lui qui chante 
Même si la plupart des spectateurs étaient déjà partis dans la nuit, les environs 35 000 restants eurent la chance d'assister à l'un des meilleurs concerts de tous les temps. Devant clôturer le festival, Jimi Hendrix débarqua sur la scène avec sa nouvelle formation The Gypsy Sun & Rainbows (il est accompagné de Billy Cox à la basse -un ami rencontré pendant son séjour dans l'armée de l'air- et Mitch Mitchell à la batterie -batteur de l'Experience). C'est d'ailleurs lors de sa célèbre interprétation distordue de l'hymne américaine (Star Splangled Banner) qu'Hendrix réveillera l'Amérique qui ne se retrouve plus dans ce qu'elle est (notamment son implication dans la guerre du Viet Nam et les droits de chacun de ses habitants). Puis finissant sur le pacifiste Hey Joe, le festival ferme ses portes laissant plus de 200km de bandes filmées (qui donneront naissance à un film l'année suivante récompensé de l'oscar du meilleur documentaire), le sentiment d'avoir fait changer quelque chose pour chacun de ses participants et des lives qui resteront à jamais gravés dans l'histoire de la musique.
Alors aujourd'hui, que reste-t-il concrétement de Woodstock? Eh bien, 40 ans après, Woodstock reste la preuve qu'une génération pouvait bouger et se rassembler pour un idéal et autour de la musique. Même si deux autres festivals prirent place 25 ans et 30 ans après (en 1994 et 1999 donc), ces deux éditions étaient loin, bien loin du véritable esprit de l'original. Symbôle aujourd'hui du mouvement hippie (mort et enterré), synonyme de liberté et de drogues , machine à sous inépuisable, Woodstock est aujourd'hui mort, vive Woodstock.
Bien entendu, je pars du principe que vous connaissez la chanson présentée d'aujourd'hui, mais j'aimerai éclaircir certains points (notamment le contexte, la conception ainsi que l'impact) que l'on néglige souvent quand on écoute la musique seule.
Certes, tout le monde a écouté Jumpin' des centaines de fois, certes on vous le repasse tous les jours sur n'importe quelle radio à outrance, matin, midi et soir, vous en avez soupé, mais c'est un hit. Ce titre est devenu un hit. Car oui, dès les premiers accords de Richards suivi de ceux de Taylor qui double le tir (à noter que le riff principal a non pas été composé par Richards ou Taylor mais Bill Wyman le bassiste -qui n'est pas crédité) et Jagger débite son "Jack bondissant comme l'éclair" n'importe quelle fouillasse ou pucelle se serait fait dessus pour dire les choses grossièrement. On acclame, on crie et on chante tous en coeur "que tout va bien maintenant, je suis Jack bondissant comme l'éclair et ça gaze, gaze, gaze". Le succès fût foudroyant (passez moi le jeu de mots), les ventes de singles (45 tours à l'époque) explosèrent tout autant que Beggar's Banquet et la suite on la connait, Jumpin' Jack Flash, figure sur tous les best-of des Stones au même titre qu'un Satisfaction et se retrouve dans tous les lives des Stones (encore aujourd'hui) bon gré malgré.. 
Jumpin' Jack Flash
Un an s'est écoulé après la sortie du médiatiquement controversé Atom Heart Mother. C'est snobé par les critiques que Pink Floyd, plus prolifique que jamais, décide de donner une suite au célèbre album à la vache (dont vous trouvez la chronique 
Ouvert par One Of These Days, morceau qui nous porte dans le vent puis nous alligne deux lignes de basse jouées en même temps dans un simulateur de chambre d'écho qui passent tantôt à droite et à gauche de l'écoute, Meddle s'annonce énorme. Morceau assez chaotique, exclusivement instrumental jusqu'au "One of these days, I'm going to cut you in little pieces" laché à basse vitesse par Nick Mason ("un de ces jours je te couperai en petits morceaux" adressé à un DJ de la BBC que Roger Waters haissait particulièrement). Le morceau se révèle très rock et très jouissif.
Alors, que dire de plus? Pour ceux qui ne le connaissent pas encore, bon dieu de merde, achetez-le, malgré son prix très élevé (bien qu'au vu de sa qualité et de sa production, cela peut être justifié) inhérent aux disques de Pink Floyd et pour ceux qui le connaissent déjà, réécouter le encore et encore jusqu'à l'user..
Et dès les premières secondes du premier titre, c'est parti. Intro de folie pour un titre qui en balance sévère. Entre les breaks de Vinnie, les riffs tranchants de Dimebag qui par on n'sait quel artifice groovent, la basse omniprésente de Rex et les paroles d'un Phil bondissant et hargneux, il était bien difficile de ne pas en ressortir intégralement retourné. Si on rajoute les solos de folie balancés par Dimebag à chaque chanson et le jouissif "We're takin over this town" on touche la merveille. Un classique que chaque métalleux se doit de connaître.
Là où les cowboys de l'enfer passent, le reste trépasse. Premier succès commercial, CFH installe le groupe à la tête de son style (qu'il continuera de définir dans les albums suivants) malgré quelques polémiques peu fondées (ils sont en effet accusés d'avoir copié un autre groupe moins connu du même style: Exhorder). La notoriété de Pantera ne cessera alors de grandir à partir de cet album d'où sont tirés leurs principaux "standards", véritable bulldozer du métal, le groupe deviendra l'un des plus influants des années 90 malgré sa fin tragique. 
